Francisco de Goya përmes 6 veprave kryesore të tij

Jackson Arn

Artisti spanjoll Francisco José de Goya y Lucientes – i njohur botërisht si Goya – pikturoi atë që pa dhe ajo që pa nuk ishte e bukur. Gjatë jetës së tij të gjatë, ushtarët qëlluan mbi fëmijët, ndërsa politikanët e paaftë e çuan Spanjën në prag të rrënimit. Kjo mund të shpjegojë pse veprat e tij vazhdojnë të trondisin pothuajse dy shekuj pas vdekjes së tij: Mund të jetë e vështirë të mendosh se shumë gjëra kanë ndryshuar realisht midis asaj kohe dhe të tanishmes.

Kritikun Robert Hughes, autor i një biografie të artistit të vitit 2003, shkruan: “Ai na flet me një urgjencë që asnjë artist i kohës sonë nuk mund ta ketë. Ne e shohim fytyrën e tij prej të vdekuri prej kohësh, të shtypur pas xhamit të shekullit tonë të tmerrshëm, është Goya që shikon në një kohë më të keqe se e tija.”

Goya mund të ketë qenë pesimist, por ai dinte ta bënte pesimizmin magjepsës. Pikturat e tij mund të jenë qesharake dhe jashtëzakonisht të bukura, madje (ose veçanërisht) kur paraqesin shëmtinë. Gjatë gjithë karrierës së tij, ai mbeti mjaftueshëm syhapur për ta parë botën ashtu siç ishte në të vërtetë – dhe mjaftueshëm i guximshëm për të bërë me të humor të zi.

Parasol (1777)

Është një nga ironitë më të mëdha të historisë së artit që Goya, i konsideruar zakonisht si piktori i shquar spanjoll i fundit të shekullit XVII, nuk arriti të pranohej në një shkollë të vetme arti. Ndoshta kjo i shërbeu për mirë, pasi rruga e tij drejt suksesit ishte e gjatë dhe e pabarabartë, duke i dhënë atij kohë të mjaftueshme për të kultivuar një stil të pagabueshëm. Goya e kaloi pjesën më të madhe të të njëzetave në Romë dhe Madrid duke studiuar veprat e Rafaelit, Diego Velázquez-it dhe mjeshtërve të tjerë të vjetër, dhe në vitin 1773, kur u martua, ai kishte marrë porosi të mëdha nga fisnikëria spanjolle.

Me ngjyrat e tij të gëzueshme dhe kompozimin e qetë, Parasol, e përfunduar në të njëjtin vit që Goya mbushi 31 vjeç, mund të duket se nuk ka shumë ngjashmëri me kryeveprat e errëta që pasuan. Ajo duket më shumë si produkt i ndikimit të vazhdueshëm të mjeshtrave të mëdhenj, veprat e të cilëve Goya i kishte hasur në Itali. Edhe nëse Goya ishte ende në ngjitje, piktura tregon talentin e tij, veçanërisht syrin e mprehtë për tiparet e fytyrës. Në dekadat e ardhshme, ai do ta përsoste artin e shtrembërimit dhe ekzagjerimit të fytyrës njerëzore, shpesh me efekt komik mahnitës.

Manuel Osorio Manrique de Zúñiga (1787–88)

Historianët debatojnë mbi atë se kur filloi epoka moderne. Sipas një teorie, moderniteti filloi në 1788 në formën e tre maceve që përgjojnë në kuadrantin e majtë të poshtëm të Manuel Osorio Manrique de Zúñiga të Goya, të cilit i referohen shpesh si Red Boy.

Në fund të viteve 1780, kur Goya ishte portreti i preferuar në oborrin e mbretit Charles III, konti i fuqishëm i Altamira-s e ngarkoi atë të pikturonte fëmijën e tij më të vogël, Manuelin. Goya zgjodhi ta paraqiste djalin e vogël me një kostum të kuq të adhurueshëm, duke luajtur një fije në dorë. Megjithatë, kur e shikon më nga afër, sentimentaliteti i skenës keqësohet shpejt. Nga hijet, treshja e maceve shikojnë të uritura zogun e pafuqishëm, gati për t’u hedhur.

Jeta moderne, siç e pa Goya në atë kohë, ishte një shaka e sëmurë, pjesërisht e frikshme dhe absurde – një zog gjithmonë në prag të gëlltitjes. Puna e tij ia del të përcjellë një këndvështrim shqetësues në dukje bashkëkohor, duke ekspozuar tmerret e fshehura para syve tanë.

Maja nudo (1797–1800)

Statusi i Goya-s si piktor i oborrit i dha atij mundësinë për të fituar mbështetjen e disa prej burrave dhe grave më të fuqishme të Spanjës, duke përfshirë Dukeshën e Albës, me të cilën mendohet se ka pasur një lidhje të gjatë. Ajo nganjëherë supozohet të jetë modelja e nudos në Maja Lakuriq, e porositur me gjasë nga kryeministri i ardhshëm, Manuel de Godoy.

Në një epokë të karakterizuar nga selfie-t e Kim Kardashian, është e vështirë të imagjinohen trazirat që shkaktoi ky imazh në atë kohë. Në artin spanjoll, trupat nudo të femrave prireshin t’u përkisnin ose perëndeshave të idealizuara greke ose, në anën tjetër të spektrit, prostitutave. Goya përzjeu të shenjtën me profanen duke pikturuar këtë grua bashkëkohore, me qimet pubike – të padiskutueshme për standardet e sotme, por pothuajse e padëgjuar në artin evropian në atë kohë.

Me ngritjen e Inkuizicionit Spanjoll një dekadë më vonë, Maja e zhveshur e vuri Goya-n në armiqësi me klerin katolik. Ai arriti të mbronte reputacionin e veprës së tij artistike dhe të tijin, duke iu referuar qindra mjeshtrave të mëdhenj që kishin pikturuar nudo të ngjashme përpara tij. Jo për herë të fundit, Goya përdori respektin artistik si një kalë Troje për qëllimet e tij.

Gjumi i arsyes prodhon monstra (1797–98)

Në vitin 1793, Goya e kishte humbur plotësisht shqisën e dëgjimit. Studiuesit ende debatojnë mbi arsyen pse ndodhi kjo: një infektim me poliomielit apo, siç kanë hamendësuar disa, sifiliz apo shkak mund të jetë bërë edhe plumbi në bojërat që përdorte. E qartë është se, pas vitit 1793, arti i Goya-s u bë më i mprehtë dhe shpesh më i rrezikshëm.

“Gjumi i arsyes prodhon përbindësha” është më i famshmi i “Los Caprichos”, një seri prej 80 gravurash të krijuara nga Goya në fund të viteve 1790. Është gjithashtu njëfarë deklarate misioni për periudhën e mesme satirike të artistit. Midis këtyre gravurave, nuk është e pazakontë të gjesh një gomar që i gëzohet në mënyrë të fshehtë pemës së tij familjare, ose një grumbull fisnikësh që shtypin proletariatin nën peshën e tyre. Përgjatë kësaj serie, synimi i vërtetë i Goya-s janë elitat e pushtetit të Spanjës dhe, edhe më thelbësisht, mungesa e arsyes që lejonte tiraninë e tyre. Goya më vonë i hoqi veprat e tij nga qarkullimi, duke pranuar se kishte bërë shumë armiq. Më mirë të tallesh me përbindëshat pas shpine.

Tre maj 1808 (1814)

Në nëntor 1807, trupat franceze pushtuan Spanjën dhe vendosën një sundimtar të ri. Për gjashtë vitet e që pasuan, rebelët spanjollë luftuan pushtimin; rezistenca e tyre ishte e para që u quajt “luftë guerile”. Në orët e para të 3 majit 1808, ushtarët francezë zbatuan urdhrat për të grumbulluar dhe ekzekutuar qindra rebelë të dyshuar.

Goya mund të ketë qenë i pranishëm në këto masakra. Por edhe mund të ketë dëgjuar me kujdes sesi i përshkruanin ato dëshmitarët okularë. Në secilin rast, “3 maji 1808” përfaqëson kulmin e zhvillimit të tij artistik gjatë tre dekadave të mëparshme. Ndriçimi delikat tregon se ai i kishte studiuar me kujdes mjeshtrat e mëdhenj, megjithëse skena që ai ka zgjedhur për të ndriçuar është më e zymtë se çdo gjë që Velázquez mund të ketë ëndërruar ndonjëherë. Kufomat e përgjakura sinjalizojnë indiferencën e tij ndaj shijes së mirë. Por mbi të gjitha, piktura sinjalizon tërbimin e ftohtë dhe të qetë të Goya-s ndaj shoqërisë ku jetonte. Ai nuk i akuzon thjesht ushtarët francezë për krime lufte – në fakt, nuk ka pothuajse asgjë në kornizë që tregon kombësinë e personazheve. Në vend të kësaj, makthi i tij kapërcen kohën dhe vendin: trupat pa fytyrë mund të jenë gjithashtu nazistë në Dachau ose GIS në My Lai. Është ky universalitet i zymtë që e bën “3 majin e 1808-s”, sipas fjalëve të Robert Hughes, “me të vërtetë moderne… tablonë me të cilën të gjitha pikturat e ardhshme të dhunës tragjike do të duhet të maten”.

Saturni gllabëron të birin (1819–23)

Në të shtatëdhjetat e tij, i ve dhe mbështetës i monarkisë, Goya u zhvendos në Bordo, Francë. Aty ai përfundoi serinë e tij të fundit: 14 “Pikturat e zeza”. Ndryshe nga pjesa më e madhe e veprave të tij të mëparshme, këto nuk ishin menduar kurrë për shfaqje në publik. Ndërsa ekzaminon Saturnin e stërmadh që gllabëron djalin e tij (1819–23), nuk është e vështirë të kuptosh pse. Goya zgjodhi si subjekt një nga episodet më të zymta të mitologjisë greke, ku perëndia e kohës siguron mbijetesën duke ngrënë pasardhësit e tij. I interpretuar shpesh si një alegori për prishjen e shtetit spanjoll, Saturni i përmbys pritshmëritë duke e treguar kohën si një kafshëz të vogël, sa patetike aq edhe tmerruese.

Në qindra piktura të Goya-s, rishfaqet i njëjti lloj fytyre: me sy të shqyer, pa mendje dhe me një babëzi të tmerrshme. Ndonjëherë kjo fytyrë i përket një kafshe, ndonjëherë i përket një qenieje njerëzore dhe ndonjëherë, është e vështirë të dallohet. Ajo kafshon në sfondin e Red Boy, del nga hijet në Gjumi i arsyes- dhe te Saturni, e përfunduar vetëm disa vjet para vdekjes së Goya, më në fund shfaqet paturpësisht.

A mund të simbolizojë kjo fytyrë makthin e modernitetit siç e përjetoi Goya? Gjatë 82 viteve të tij, shteti spanjoll u shemb dhe Evropa zhvilloi një luftë brutale me vetveten – mjaftueshëm babëzi dhe marrëzi për 10 jetë. Si përgjigje, Goya ofroi një moto artistike zhgënjyese dhe të thjeshtë: “Yo lo vi” (“E pashë”). Këto tre fjalë komunikojnë një ide po aq të nevojshme në shekullin e XXI sa ishte në shekullin e XIX: në kohë të errëta, të vërtetën nuk mund ta dëshmojnë njerëzit e dobët./res/

Rruga Press